Green Room de Jeremy Saulnier avec Patrick Stewart

Si tout comme moi vous suivez le Festival de Cannes par l’entremise des médias qui ont un journaliste délégué sur place, vous salivez sûrement à l’idée de voir bientôt certains titres qui y sont présentés. Habituellement, il faut compter de trois à douze mois pour voir les gros films du festival sur nos écrans. La preuve, l’arrivée cette semaine au Clap de Saint Laurent (celui de Bonello, et le meilleur des deux biopics), un an après son lancement à Cannes.

Son of Saul

Cela dit, même si le festival ne se termine que dimanche avec la remise des prix, quels sont les films cannois qui se démarquent jusqu’ici selon la presse internationale? Tout d’abord, il y a Son of Saul, film hongrois de Laszlo Nemes qui a séduit l’ensemble des journalistes malgré son sujet maintes fois abordé au cinéma, soit la Shoah et les camps de concentration nazis de la Seconde Guerre mondiale. Cette première réalisation est originale autant dans sa forme que dans sa façon de revisiter ce pan atroce de l’histoire du XXe siècle. Par la suite, on peut mentionner sans détour que Carol, plus récente œuvre signée par l’Américain Todd Haynes avec Kate Blanchett, qui se retrouvera selon les critiques assurément au palmarès 2015 du festival. Centré sur le personnage joué par l’actrice, une femme mal mariée dans l’Amérique puritaine des années 50 (filmée comme le faisait Douglas Sirk auquel Haynes rendait hommage dans Far from Heaven), Carol s’est distingué par ses qualités artistiques évidentes et surtout par sa prestigieuse distribution. Du côté des interprètes masculins, l’acteur Vincent Lindon semble celui qui se démarque le plus pour sa performance dans La Loi du marché de Stéphane Brizé.

S’il reste encore quelques gros titres à être présentés dans les derniers jours, dont le Macbeth mettant en vedette Michael Fassbender et Marion Cotillard, on se doit d’ajouter parmi les favoris le Mia Madre de Nanni Moretti, un film abordant en fiction la crise existentielle d’une réalisatrice de cinéma. Dans les sections parallèles du festival, il faut souligner la controverse entourant Love de Gaspar Noé (Irréversible), proposant de l’érotisme cru tourné en 3D. Ce film a autant plu que déçu, le cinéaste d’origine argentine divisant encore une fois les cinéphiles. Aussi à noter, le réalisateur du surprenant Blue Ruin, Jeremy Saulnier, qui a fait l’unanimité en présentant Green Room, un thriller opposant skinheads et punks avec en tête d’affiche l’imposant Patrick Stewart dans l’un de ses plus beaux rôles selon la rumeur. Green Room serait « le film de genre » à ne pas manquer.

Enfin, si Le tout Nouveau Testament de Jaco Van Dormaël (Toto le héros), avec Benoît Poelvoorde dans le rôle de Dieu, a divisé les scribes et que Sicario de Denis Villeneuve, malgré de belles critiques, ne semble pas destiné aux grands honneurs, le plus récent Woody Allen, Irrational Man, présenté hors compétition, a de son côté rallié l’ensemble des festivaliers. On a bien hâte de le voir au mois d’août prochain tout comme le documentaire sur la chanteuse Amy Winehouse, tourné par le Britannique Asif Kapadia, aussi auteur du magnifique long métrage sur la vie du défunt pilote de Formule 1 Ayrton Senna. Fort heureusement, nous n’aurons donc pas à attendre douze mois pour le voir puisque Amy sortira ici, au Clap,  le 17 juillet prochain. Voici d’ailleurs sa bande-annonce pendant que le plus grand festival de films au monde tire déjà à sa fin.

La comédie demeure un genre cinématographique aussi recherché qu’imprévisible. Les films les plus remarqués dans les festivals mondiaux sont presque exclusivement des drames, comme la programmation annuelle de Cannes le prouve effrontément. Hormis ceux provenant de nos voisins du Sud, les films comiques qui font fureur, le font localement car, bien souvent, l’humour s’exporte mal.

Mais, il y a des exceptions et, en ce moment, on se demande bien si La Famille Bélier aura un impact au Québec aussi fort que celui qu’il a eu en France, son pays d’origine. Depuis sa sortie, en décembre dernier, cette comédie familiale a rassemblé plus de 8 millions de Français dans les salles. En entrevue, son réalisateur, Éric Lartigau, soulignait à quel point la recette pour concevoir une comédie à succès relève du mystère le plus grand.

Éric Lartigau, réalisateur

Le cinéaste, qui avait à son palmarès quatre autres longs métrages avant de plancher sur La Famille Bélier, ne s’attendait nullement à un tel phénomène, soulignant qu’un film qui fonctionne, c’est une addition de choses, c’est une alchimie curieuse. Avec humour et ironie, il ajouta même : « Deux mois avant la sortie du film, la presse française était très déstabilisante. On affirmait en gros titre que La Famille Bélier était le succès de l’année. J’ai appelé mes producteurs et je leur ai demandé ce qui se passait, car le film n’était même pas encore à l’affiche. C’était totalement absurde. Je ne comprenais pas ce qui se passait. Eux, ils me répondaient que tout était engagé pour que ce soit un succès, tout simplement, et que la presse était enthousiaste d’avance. Tout ça est très étrange parce que, en réalité, si un réalisateur savait comment faire d’un film un succès assuré, il serait le mec le plus riche du monde. Mais y en a pas de recette, car la réussite d’un film, d’une comédie, est des plus fragiles.

Quand on demande à Éric Lartigau d’expliquer pourquoi son film a été si rassembleur, il poursuit : « C’est le sujet, la famille, c’est tellement universel, c’est riche. Et y a l’adolescence, et ceux qui deviennent parents, puis on s’identifie rapidement à cette jeune fille. Même les très jeunes enfants sont interpellés par son histoire. C’est un film qui fédère ». « L’effet Bélier » est sûrement aussi redevable aux chansons de Michel Sardou qui abonnent et à la popularité de la jeune Louane Emera, aussi chanteuse et ex-participante de l’émission The Voice, en France. Au final, la cellule familiale demeure au cœur du récit et a sûrement séduit une grande partie des spectateurs. Le réalisateur a d’ailleurs remanié le scénario de Victoria Bedos afin d’y donner une teinte (d’amour et de querelles) familiale encore plus forte, avec le résultat qu’on connaît.

D’ici la fin de la carrière du film à l’international, les offres pour une suite ne se feront pas attendre et son actrice principale, Louane, forte de son César du meilleur espoir féminin et de son nouvel album lancé récemment, affirme qu’elle accepterait d’emblée de se lancer dans une suite si Éric Lartigau est aussi de l’aventure. Mais comme le dit si bien ce dernier : « Il faut avant tout qu’il y ait une idée de scénario. Il faut aller de l’avant avec quelque chose de tangible, partir d’un récit qui se tient et qui mérite qu’on s’attarde à nouveau aux aléas familiaux des Bélier. Si ça arrive, on ira de l’avant ».

Les frais de ce voyage ont été payés par UniFrance.

Tomorrowland avec George Clooney

Heureusement, il n’y aura pas que des films de super-héros cet été au cinéma, et ce, même si les principales campagnes publicitaires tendent à nous démontrer le contraire. Donc, on pourra se mettre sous la dent plusieurs longs métrages provenant de divers horizons abordant des thématiques très différentes les uns des autres et même en plein cœur de la saison chaude. Bref, voici un aperçu très personnel et très rapide des dix films qui seront à voir lors des mois de mai et juin. Une suite à cette chronique sera évidemment publiée dans quelques semaines, question d’énumérer les dix titres à surveiller pour les mois de juillet et d’août 2015.

1- Ex Machina : Cette première réalisation du scénariste Alex Garland (28 jours plus tard) flirte avec le thriller dystopique autant qu’avec le drame de science-fiction philosophique. Les images léchées, l’atmosphère mystérieuse et l’univers futuriste rendent l’ensemble des plus alléchants.

2- Mad Max : Fury Road : George Miller revisite sa propre création qui, à l’époque, mettait en vedette Mel Gibson. Cette fois, il mise sur l’étoile montante du cinéma mondial, le Britannique Tom Hardy. La bande-annonce nous montre des cascades époustouflantes réalisées à l’ancienne, des décors post-apocalyptiques impressionnants et des costumes à faire saliver tous les cyberpunks de la planète.

3- Tomorrowland : La science-fiction est décidément à l’honneur en mai. Mettant en vedette George Clooney, Tomorrowland met en scène une adolescente brillante et un inventeur de génie qui seront transportés dans un univers parallèle inspiré des parcs à thèmes de Disney. Les plus jeunes sont ciblés avec cette réalisation de Brad Bird, bien connu pour son travail sur Le Géant de fer et sur Les Incroyables.

4- Far from the Madding Crown : Cette nouvelle réalisation du Danois Thomas Vinterberg (Festen, La Chasse), adaptation du roman de Thomas Hardy, a tout pour séduire. Le long métrage se présente comme une magnifique fresque historique, victorienne et romantique, qui nous permet de voir réunis au grand écran, dans un bucolique décor de campagne anglaise, les charismatiques Carey Mulligan (An Education) et Matthias Schoenaerts (Bullhead).

5- Saint Laurent : Bertrand Bonello nous offre possiblement le meilleur film français de l’année avec cette biographie sur le défunt designer de mode, s’attardant surtout aux années où ce dernier faisait perpétuellement la fête tout en devenant une icône mondiale de la mode. Inventif et psychédélique, touchant et flamboyant, ce nouveau biopic est encore meilleur que celui intitulé Yves Saint Laurent, sorti il y a quelques mois.

6- Entourage : Au départ, l’intérêt pour ce film est surtout réservé à ceux, nombreux, qui ont suivi la série télé de HBO Entourage, dont le film est le prolongement sur grand écran. Tous les personnages principaux sont de retour dans cette comédie à l’humour caustique relatant la vie hollywoodienne d’un acteur constamment entouré de ses trois inséparables amis aussi gaffeurs qu’attachants et de son ancien agent sans scrupule, joué par l’excellent Jeremy Piven, devenu pour l’occasion producteur.

Anaïs Demoustier, à l’affiche dans Une nouvelle amie et dans Caprice

7- Une nouvelle amie : François Ozon réussit encore à aborder une situation trouble de belle façon avec cette nouvelle offrande mettant en vedette Romain Duris et Anaïs Demoustier. Jouant avec humour et beaucoup de tendresse autour de l’identité sexuelle, Ozon met en scène des personnages qui doivent faire face aux tabous sociaux entourant le travestisme. Et pour l’anecdote, les scènes extérieures ont toutes été filmées en banlieue de Montréal.

8- Caprice : Voici un autre film mettant en vedette Anaïs Demoustier, réalisé cette fois-ci par Emmanuel Mouret. Le cinéaste français ne change pas de registre avec cette nouvelle réalisation, flirtant encore avec Rohmer pour les dialogues et avec Woody Allen pour l’humour de situation. La trame se résume ainsi : un instituteur, trouve la femme de ses rêves qui, elle, est courtisée par son meilleur ami. Pendant ce temps, Caprice, jeune femme extravagante, est obsédée par cet instituteur et croit, dur comme fer, qu’ils sont faits l’un pour l’autre.

9- Inside out : C’est le nouveau bébé de Pixar (Finding Nemo, Toy Story, Wall-E) qui se penche sur les émotions que vit un jeune garçon quittant le Midwest avec son père pour s’établir à San Francisco. Avec ce film d’animation, le spectateur aura l’occasion de visiter le cerveau du jeune Riley et d’y rencontrer les cinq personnages (ou émotions) qui y habitent : la Joie, le Dégoût, la Peur, la Colère et la Tristesse. Que dire de plus sinon qu’on ne ratera pas ce rendez-vous familial de l’été?

10-Me and Earl and the Dying Girl : Grand Prix du jury du festival de Sundance en 2015, cette comédie dramatique typique du cinéma indépendant américain relate l’amitié de trois jeunes adolescents, Greg, Earl et Rachel. Cette dernière, atteinte de leucémie, fera réaliser aux deux autres l’importance de la vie au quotidien. Apportez vos mouchoirs!

Voilà donc dix bonnes raisons d’aller se réfugier à l’air climatisé pour un petit deux heures de bonheur cet été!

Sebastiao Salgado, photographe

Sebastiao Salgado est un photographe d’origine brésilienne âgé de 71 ans. Son travail et son parcours singulier au fil des dernières décennies l’ont amené à être perçu comme l’un des artistes phares du XXe siècle dans le domaine de la photographie. Ses photos reportages en noir et blanc sur les conditions des mineurs au Brésil ont, à eux seuls, marqué l’imaginaire. Le documentaire coréalisé par Wim Wenders (Les Ailes du désir) et le fils de Sebastiao, Juliano,  Le Sel de la terre, vient de prendre l’affiche et relate la trajectoire unique de ce créateur hors norme.

Rencontré récemment à Paris, Juliano Ribeiro Salgado avouait qu’au départ ce projet documentaire sur son père n’a pas été facile à concevoir. « J’ai eu une intuition commune avec Wim Wenders, qu’au-delà même des photos, l’expérience du monde de Sebastiao serait plus importante dans le film. Nous désirions montrer son expérience comme témoin du monde, son point de vue global, son parcours humaniste. Wim a rencontré mon père en 2009 et avait envie de travailler avec lui. À cette époque, je suis parti tourner en Amazonie avec Sebastiao, et ce, même si notre relation était un peu conflictuelle. Bref, lors du voyage, je craignais un épisode de confrontation à la Herzog-Kinski, mais au contraire, ça s’est très bien passé. Et le court métrage tiré de ce voyage a beaucoup touché mon père. Ça nous a rapprochés, ça a ouvert la porte à cette idée de faire ce film, et Wim a embarqué dans le projet rapidement. Mais même si j’avais gagné la confiance de mon père, la présence de Wim est devenue essentielle dans la concrétisation de tout ça », de relater Juliano.

Quand on lui demande de commenter son travail avec Wenders, cinéaste mythique dont la notoriété n’est plus à faire, Salgado fils ne tergiverse pas : « L’expérience de coréalisation, ça a été l’horreur. Nos visions se sont éloignées au fil du tournage. Rendu au montage, c’était atroce, rien ne marchait. Après un an, on s’est parlé, on a vu le cul-de-sac vers lequel on se dirigeait et nous avons finalement concilié nos visions avec le résultat que vous verrez au cinéma qui, fort heureusement, nous satisfait beaucoup. Wim, c’est un réalisateur avec 40 ans d’expérience et lui faire face n’était pas chose facile. Avoir une relation d’égal à égal, ce n’était pas évident pour moi qui commençait dans le métier ».

Wim Wenders sur le tournage du Sel de la terre

Même si Le Sel de la terre met en évidence la beauté artistique des photos de Sebastiao Salgado, le film n’évite pas la controverse entourant son œuvre, certains accusant le photographe d’exploiter la misère humaine par ses photos, d’abuser des démunis en immortalisant leurs conditions de vie inhumaines. « Ses photos avaient pour mission de nous alerter, mais on ne pouvait passer à côté de cette controverse afin de mieux saisir le parcours de mon père qui, par la suite, s’est beaucoup attardé à l’avenir de l’humanité dans son ensemble », d’ajouter Juliano. « Mon père a une empathie générale, une démarche d’espoir très puissante. Y a rien de naïf dans son regard. Ce qu’il nous montre est rempli d’humanité, il nous montre le monde pour ce qu’il est, parfois dans  » sa laideur « , mais toujours avec l’espoir de lendemains meilleurs. Cette transformation dans le parcours de Sebastiao se devait d’être exprimée ».

Juliano Ribeiro Salgago, réalisateur

Juliano Salgado est né à Paris et s’exprime aussi bien en français qu’en portugais. Ses parents ont fui la dictature brésilienne de l’époque pour s’établir à Paris. Juliano n’a donc jamais réellement vécu là-bas, même s’il y passe quelques mois par année pour y travailler et y retrouver ses racines. Il travaille d’ailleurs actuellement à un projet de film de fiction qui se déroulera à Sao Paulo.

Le Sel de la terre est sorti à Paris à l’automne 2014 et a reçu un très bel accueil critique et public. Le film s’est également retrouvé  parmi les finalistes à la dernière cérémonie des Oscars dans la catégorie du Meilleur documentaire (Citizen Four l’a remporté). « Mes parents sont très fiers du film. C’est au Festival de Rio, en septembre dernier, que mes parents l’ont vu pour la première fois et ils ont été vraiment très touchés, c’est leur histoire, et cette expérience a été très réparatrice pour notre famille », de conclure Juliano Ribeiro Salgado. « Sebastiao et moi, on avait un peu peur l’un de l’autre et le documentaire nous a rapprochés, surtout que nous partagions le même but dans cette aventure, soit de motiver la société à se transformer, montrer qu’on peut changer les choses, peu à peu, rendre le monde meilleur. »

Les frais de ce voyage ont été payés par UniFrance.

Photo prise par Sebastiao Salgado

Avec LA FRENCH, Cédric Jimenez réalise un film ambitieux, retraçant le parcours véridique du juge Pierre Michel, qui, de 1975 à 1980, mena une guerre de tous les instants à la mafia de Marseille, dirigée par Gaëtan Zampa, afin de démanteler son réseau de trafic de stupéfiants. Jean Dujardin et Gilles Lellouche s’opposent dans les deux rôles principaux d’un récit qui met en lumière un héros français qui a lutté contre le crime organisé au péril de sa vie. 

Rencontré à Paris pour la promotion de son film, Cédric Jimenez nous rappelait qu’il est lui-même originaire de Marseille, une ville qu’il a quitté à dix-neuf ans pour aller vivre à New York. De retour en France depuis plusieurs années, le cinéaste de 38 ans, aussi producteur et scénariste, relate le tournage et les enjeux reliés à ce drame policier biographique aux couleurs de la côte d’Azur. 

Éditions Le Clap : C’est votre deuxième long métrage seulement, mais LA FRENCH est surtout un film très ambitieux, car il reconstitue toute une époque, celle des années 70, au grand écran. Était-ce difficile, techniquement et artistiquement, de plonger dans cette aventure?

Cédric Jimenez : Ah oui! Ça demandait une grande reconstitution historique. C’était ardu, mais en même temps, ça représentait un défi vraiment extraordinaire. Vous arrivez le matin, vous regardez le décor et vous faites : « Wow! Ça, c’est le cinéma! » On se retrouve dans une époque instantanément ave les décors, les voitures, les costumes. Mais, pour l’équipe et moi-même, nous avions à être très précis pendant le tournage, car évidemment tout coûte extrêmement cher et tout doit paraître crédible et concorder avec l’époque du combat du juge Michel. Le sud de la France, dans les années 70, ça n’avait pas non plus l’allure de Paris. Et Marseille, au cœur du film, est fort heureusement une ville photogénique, ensoleillée et très bien conçue pour tourner un drame policier avec ses rues, ses collines.

É.L.C. : Et du côté des comédiens, c’était facile de diriger Jean Dujardin et Gilles Lellouche, deux des grandes pointures actuelles du cinéma en France?

Cédric Jimenez et Jean Dujardin.

C.J. : C’était super facile. On n’a pas besoin de les contrôler, car ils adorent ce qu’ils font. Je ne les connaissais pas avant, mais nous sommes devenus amis parce que le tournage s’est vraiment bien passé. Eux, ce sont de grands potes dans la vraie vie et leur énergie est contagieuse pour une équipe de tournage. Ils rendent les choses plus faciles sur un plateau tout en étant très professionnels.

É.L.C. : L’histoire est vraie et les familles du juge Michel et de Zampa savaient fort bien que film ramènerait dans l’actualité une aventure qui a été quand même douloureuse. À ce sujet, la famille de Pierre Michel a répudié LA FRENCH lors de sa sortie. Comment expliquez-vous cette volte-face puisque vous aviez reçu l’aval de la famille au départ, non?

C.J. : C’était vraiment étrange… Avec le recul, je pense que c’était relié à un problème de promotion, au boucan entourant la sortie du film en France. Ils avaient vu le film en juillet, bien avant sa sortie, et tout était OK. À la sortie, la situation a changé, la presse était beaucoup après eux et, fatalement, ils ont voulu prendre leurs distances et ils ne l’approuvaient plus. Ce sont des choses qui arrivent fréquemment avec les films biographiques.

É.L.C. : Était-ce difficile de rester collé à la vie du véritable juge Michel et en même temps de construire un personnage qui allait évoluer devant les caméras et être au cœur d’un film d’action qui nous tiendrait en haleine de bout en bout ave les codes du genre?

C.J. : C’était extrêmement difficile, car il fallait faire des choix, et ces choix concernent la vie réelle du juge. Malgré tout, je dirais que pour l’ensemble du film, on est à 80 % respectueux de tout ce qui est arrivé. Le juge Michel était un homme courageux, mais aussi très obsessif dans sa quête de justice. Il voulait aller jusqu’au bout. Il n’y a que quelques scènes plus intimes, plus familiales où là, on a inventé un univers, on a imposé une certaine vision que j’endosse comme réalisateur et scénariste. La famille de Zampa aussi a vu le film et ils ont bien aimé, et ce, même si on brossait le portrait d’un criminel de haut calibre.

É.L.C. : En France, il y a présentement un regain de popularité pour les drames policiers et les enquêtes judiciaires. Comment l’expliquez-vous?

C.J. : Les gens ont besoin de s’identifier à des héros, à des journalistes d’enquêtes, à des juges, à des enquêteurs, à des flics qui jouent le rôle de personnes ayant à cœur l’intérêt public. On est à la recherche de vérité, d’espoir. En ce moment, je crois que tout ça rejoint effectivement une grande partie de la population. Les gens y voient un combat qu’ils voudraient eux-mêmes mener s’ils en avaient la possibilité. Dans la population, il y a beaucoup de suspicion envers les institutions. Et d’avoir des modèles de héros, ça vient contrebalancer tout ça, je pense.

Les frais de ce voyage ont été payés par UniFrance. 

Le 68e Festival de Cannes se tiendra du 13 au 24 mai prochain et la programmation entière a finalement été dévoilée cette semaine. Par programmation entière, on parle de l’ensemble des films regroupés dans les quatre catégories de prestige du festival : la sélection des films en compétition, celle d’Un certain regard, de la Semaine de la critique, et enfin, celle de la Quinzaine des réalisateurs.

Denis Villeneuve, réalisateur de Sicario

Si on jette un œil rapide sur la programmation entière, certains titres se démarquent. La compétition attire évidemment tous les regards, notamment cette année grâce à une sélection relevée regroupant des réalisateurs de renom dont les œuvres sont pour la plupart très attendues en 2015. Les films en compétition qui font saliver sont assurément Sicario de Denis Villeneuve, Dheepan, nouvelle réalisation de Jacques Audiard (De rouille et d’os) et Macbeth, mettant en vedette deux des meilleurs acteurs du moment, Michael Fassbender et Marion Cotillard. En séance de minuit, Love, le très attendu et sulfureux nouveau projet de Gaspar Noé (Irréversible) sera projeté en grande primeur.

Hors compétition, l’offre est tout aussi succulente avec l’adaptation animée du Petit Prince, le Woody Allen annuel ayant pour titre Un homme irrationnel, le remake de Mad Max avec l’incroyable Tom Hardy et un documentaire sur la défunte chanteuse britannique Amy Winehouse réalisé par le documentaire qui nous avait donné le touchant film sur Ayrton Senna. La section Un certain regard proposera entre autres Maryland dans lequel Matthias Shoenaerts jouera un ex-militaire de retour d’Afghanistan, chargé de protéger la femme d’un riche homme d’affaires libanais jouée par Diane Kruger. La Semaine de la critique n’est pas en reste avec, en ouverture, l’intrigant Les Anarchistes. Ce long métrage met en vedette Tahar Rahim (Le Prophète) et Adèle Exarchopoulos (La Vie d’Adèle) et relate l’infiltration d’un brigadier parisien dans un groupe d’anarchistes en 1899. Aussi, toujours dans cette section du festival, il faudra surveiller l’accueil qui sera réservé au film canadien Sleeping Giant, premier long d’Andrew Cividino.

Benoît Poelvoorde dans Le Tout Nouveau Testament

Enfin, de façon totalement subjective, c’est surtout la programmation de la Quinzaine des réalisateurs qui, cette année, s’avère la plus alléchante. On pourra y découvrir Green Room de Jeremy Saulnier qui nous a donné l’un des films les plus forts et les plus inattendus de 2014, Blue Ruin. Son nouveau thriller se penche sur le destin d’un chanteur punk menacé de mort. Puis, la Quinzaine proposera aussi Le Tout Nouveau Testament de Jaco Van Dormael (Toto le héros), un ovni dans lequel Benoît Poelvoorde joue Dieu aux côtés de Catherine Deneuve. Enfin, c’est toujours dans cette section que l’on verra Fatima, un long métrage français coproduit par le Québécois Serge Noël et le court métrage Bleu Tonnerre réalisé par les Québécois Philippe David Gagné et Jean-Marc E. Roy, mettant en vedette le chanteur Dany Placard et l’actrice-chanteuse Isabelle Blais. Bref, on s’en reparle à la mi-mai et on lira avec attention les commentaires des journalistes québécois et étrangers qui auront la chance de se farcir ce programme filmique riche et varié, en direct de la côte d’Azur.

Des étoiles, un film réalisé par Dyana Gaye

Alors qu’on vient de dévoiler la programmation montréalaise de Vues d’Afrique, il faut se rappeler à quel point les sorties en salle de films d’origine africaine au Québec sont rarissimes. Il y a bien eu récemment Timbuktu, puis, vendredi passé celle du film Des étoiles réalisé par Dyana Gaye. Ce sera possiblement les deux longs métrages émanant de ce continent à prendre l’affiche ici cette année.

Dyana Gaye, réalisatrice

Avec Des étoiles (coproduction franco-sénégalaise), Dyana Gaye, née à Paris d’un père sénégalais et d’une mère française, réalise son tout premier long métrage, et ce, après avoir conçu de nombreux courts au fil des dernières années. Rencontrée à Paris pour donner des détails sur sa plus récente réalisation, la cinéaste confirme que malgré son origine française, on la voit avant tout comme une artiste sénégalaise. Il faut cependant avouer que ses racines prennent une forte place dans son œuvre puisque Des étoiles raconte le parcours de Sophie, une jeune femme qui quitte le Sénégal pour retrouver son mari Abdoulaye à Turin, ne sachant pas que ce dernier est parti trouver du travail à New York. On y suit également, dans un cheminement inverse, Thierno, un jeune homme qui se retrouve dans le pays de ses ancêtres, peu familier avec les traditions et le mode de vie sénégalais. « J’adore les films choral, les histoires multiples », de préciser Dyana Gaye. « J’avais envie de parler de la vie à Dakar, de parler à travers la voix d’une femme, celle de Sophie qui part pour l’Italie ».

Quand on lui demande pourquoi elle a choisi Turin plutôt que Paris comme destination pour son personnage, Dyana Gaye confirme que la ville italienne est devenue une véritable terre d’accueil pour les immigrantes de tous les pays depuis plusieurs années. « Il y a une très forte immigration féminine là-bas. On y retrouve des travailleuses en provenance d’Europe de l’Est, d’Afrique de l’Ouest, d’Amérique du Sud. Ces exilées exercent des métiers de femmes si je peux permettre, des aide-ménagères, des femmes qui s’occupent des personnes âgées et, évidemment, celles qui hélas finissent prostituées ».

Incarner les migrants autour de figures féminines fortes et raconter tout simplement la diaspora sénégalaise, voilà les buts que s’était fixés la cinéaste qui précise du même coup : « Y a aussi les voyages de retour que je voulais montrer, la quête de ceux qui veulent voir leur pays d’origine, retourner en Afrique sur la terre de leurs ancêtres. Le Sénégal, c’est bien sûr lié à mes propres origines, mais mon film aurait aussi pu mettre en scène des Indiens ou des Colombiens dans un contexte similaire. Le principal, c’est l’idée de circulation, de migration humaine, de cohabitation des cultures.

Dyana Gaye qui a travaillé avec plusieurs acteurs non professionnels pour la fraîcheur qu’ils apportent à sa mise en scène, s’attriste de constater que l’industrie du cinéma au Sénégal est presque morte et enterrée. « C’est dramatique, y a même pas un film par an qui se réalise là-bas. Le Sénégal a fourni de l’aide logistique pour la coproduction et symboliquement le pays était intéressé à la réalisation du film, mais il n’y a plus de salles pour le présenter. Des étoiles a été présenté à la télé là-bas, devant une forte audience, car le cinéma comme tel n’existe plus. Les gens regardent les films à la télé. On touche alors à un large public, mais qui ne se déplace plus pour voir les œuvres », d’affirmer la réalisatrice.

Si la sortie en salle au Québec d’un film racontant ce type d’histoire relève de l’exception, Dyana constate qu’en France son long métrage a été reçu comme un film typiquement sénégalais, une œuvre portant uniquement sur l’immigration africaine. « Comment éviter ce regard très français, d’être toujours ramené à mes origines? On ne sait pas où me ranger, car je ne fais pas partie d’un courant, donc on me ramène inévitablement à mon origine africaine, c’est une case inévitable », dira-t-elle. « Positionner mon travail dans un marché global, c’est plutôt difficile, donc on ramène le tout à la géographie. Mais, avec mon prochain film, même s’il se passe entre le Sénégal et la Louisiane, je tenterai d’apporter un autre regard sur ma création, car ce film prendra la forme d’un carnet de voyage très musical », de conclure cette artiste pleine d’espoir.

Les frais de ce voyage ont été payés par UniFrance.

Depuis un an, Michel Houellebecq semble être partout; en librairie et dans les médias, notamment parce que son nouveau roman Soumission est paru avec fracas en janvier, mais aussi parce qu’il a fait l’acteur à deux reprises dans des films qui sont sortis sur grand écran en France. En fait, l’auteur de La Possibilité d’une île, déjà remarqué au Festival d’été de Québec après avoir lancé en 2000 un album de chansons, s’est retrouvé dans Near Death Experience, de Kervern et Delépine, jouant un homme en burnout, obsédé par des pensées suicidaires qui décide de fuir vers les montagnes. Puis, on l’a vu dans L’Enlèvement de Michel Houellebecq, jouant son propre rôle dans cette œuvre iconoclaste qui prendra l’affiche vendredi à Québec et Montréal.

Le titre de ce dernier long métrage rappelle les rumeurs portées par les médias voilà quelques années au sujet de la disparition de Houellebecq et d’un possible enlèvement. Étrangement quand on rencontre Guillaume Nicloux (Cette femme-là, La Clef), réalisateur du film, on est étonné de voir la ressemblance frappante avec l’auteur des Particules élémentaires; une ressemblance autant physique que dans le phrasé lent et posé qui caractérise si bien l’écrivain. « En termes de temporalité, on prend du temps, Michel et moi, pour réfléchir », de commenter passivement Nicloux lorsqu’on lui fait la remarque.

Cela dit, son film raconte simplement, et par l’absurdité, le kidnapping de Houellebecq qui se retrouve dans une maison de campagne avec ses ravisseurs. Au menu, dialogues surréalistes, fumage de clopes, briquets défectueux et tergiversations intellectuelles autour de H.P. Lovecraft dont Houellebecq avait écrit la biographie avant d’être reconnu comme romancier. Il fallait un certain culot pour mettre en scène l’auteur dans son propre rôle. « Michel a rapidement marqué son intérêt pour participer à l’aventure. Il a validé l’ensemble du projet sans pour autant intervenir dans la construction même du récit. Je pense que Michel était intéressé à mon film à cause de l’énorme rapport charnel qui s’installe entre les personnages, et ce, même si les dialogues ont une place prépondérantes dans l’ensemble », de préciser Nicloux.

Guillaume Nicloux, réalisateur

Début 2015, Houellebecq a soulevé la controverse avec Soumission, roman dans lequel il relate la victoire électorale d’un parti politique de confession musulmane en France. Il y a lieu de se demander si le film serait différent s’il était refait aujourd’hui compte tenu de tout le charivari provoqué par le lancement du livre qui a coïncidé avec l’attentat contre Charlie Hebdo? Là-dessus, Guillaume Nicloux se permet ce commentaire qui semble émaner d’un humanoïde passif plutôt que d’un cinéaste terrien : « Je suis incapable de penser en ces termes. Ce qui est fait est fait. Je suis incapable de me projeter dans quelque chose qui serait à refaire, mon cerveau n’est pas fait pour ça ». Puis dans une tirade houellebecquienne il ajoute : « J’ai une relation très endeuillée avec mes films. Je ne les revois jamais. Je n’ai aucune nostalgie envers mes films, que des regrets ».

Nicloux, intellectuel posé et créateur pensif, terminera cette entrevue parisienne en donnant quelques détails sur le nouveau film qu’il vient d’achever et qui porte sur un couple qui a perdu son enfant. À sa mort, le jeune homme leur a laissé une lettre leur demandant de se retrouver, ensemble, dans la vallée de la Mort, aux États-Unis. Ce couple, séparé depuis longtemps et frappé par la douleur de cette perte récente, s’y rendra afin de s’y recueillir. Isabelle Huppert et Gérard Depardieu jouent les parents. Ce fut un tournage très troublant. Gérard a fait un travail d’introspection dans le film à cause de la perte douloureuse de son propre fils, Guillaume », de conclure le frêle réalisateur qui pourrait voir son long métrage en compétition à Cannes en mai prochain.

Les frais de ce voyage ont été payés par UniFrance.

Le Promeneur d’oiseau

Depuis quelques années, l’industrie du cinéma, autant à Hollywood qu’en France, démontre un intérêt majeur envers le marché chinois. Les milliers de salles des multiplex chinois et leur « imposant sino-public » s’y engouffrant chaque semaine font rêver les grands bonzes d’Hollywood et bien entendu ceux de l’Hexagone. Mais ce marché n’ouvre les portes de ses salles qu’à un nombre restreint de films étrangers chaque année. Ainsi, la lutte est féroce entre les productions étrangères voulant s’y faire une place. Or, il n’y a point de surprise lorsqu’on constate la hausse de coproductions franco-chinoises lancées depuis quelques années, sachant que ces partenariats aideront, bien sûr, à assurer la distribution d’un film étranger à plus grande échelle sur le territoire chinois.

Philippe Muyl, réalisateur

La plus récente réalisation du cinéaste français Philippe Muyl, Le Promeneur d’oiseau, relatant l’aventure et le clash générationnel entre un grand-père et sa petite-fille dans la campagne chinoise, est d’ailleurs une coproduction entre la Chine et la France. L’initiative du projet est cependant venue d’un producteur français, résidant en Chine, qui voulait surfer sur l’immense et inattendu succès du film précédent de Muyl, Le Papillon mettant en vedette Michel Serrault, vu par environ 20 millions de Chinois voilà plus de dix ans. C’est d’ailleurs lors d’un voyage en Chine que le réalisateur a appris que son long métrage avait connu un succès remarquable là-bas grâce au piratage et aux versions clandestines qui circulaient sous le manteau. Muyl, acceptant l’idée de tourner une œuvre sur place, s’est installé quelques mois là-bas afin de mener à terme ce projet qui allait s’intituler Le Promeneur d’oiseau. Depuis, les ententes entre la France et la Chine se multiplient. Lucy de Luc Besson a profité d’une imposante sortie en salle, attirant 7 millions de spectateurs. Récemment, Le Dernier Loup de Jean-Jacques Annaud a de son côté fracassé un record en cumulant 12 millions d’entrées. Et même si l’impact du Promeneur d’oiseau en Chine n’égale en rien celui des films de Besson et d’Annaud, il a été choisi en 2014 pour représenter la Chine dans la catégorie Meilleur film en langue étrangère aux Oscars.

Interrogé à Paris, Philippe Muyl souligne être très fier de son film. Celui qui s’était fait connaître en adaptant au grand écran Cuisine et dépendances, une pièce du tandem Jaoui-Bacri, avait à cœur la mise en images de cette histoire basée sur de nombreux contrastes. Le grand-père et sa petite-fille n’ont évidemment pas les mêmes habitudes de vie, mais en plus l’un est passionné par la nature et la campagne, et l’autre n’a connu que le bitume des grandes villes comme environnement depuis sa naissance. Le

cinéaste précisera ainsi ses intentions : « La solitude, le besoin de tendresse, la quête d’amour, c’est ce qui m’intéresse, c’est ce que j’aime mettre dans mes films, et ce, je l’espère, sans trop me répéter. Et à travers les contrastes qui donnent du relief au récit, c’est l’oiseau, au cœur de tout ça qui fait le pont entre mes deux personnages ». À ce propos, il ajoutera : « Les oiseaux sont très présents dans le quotidien des Chinois, ce sont de vrais animaux de compagnie pour eux, C’est une chose très importante dans leur vie ».

Le Promeneur d’oiseau fait aussi écho aux changements sociaux qui affectent la Chine depuis son ouverture au reste du monde. Philippe Muyl a d’ailleurs pu constater lors de son séjour là-bas à quel point le pays s’est jeté corps et âme dans la surconsommation et la surproduction pour oublier la dictature. Il conclura la rencontre en soulignant à quel point l’abondance, la consommation à outrance, inutile et omniprésente, l’écœurent profondément. « Je trouve ce phénomène scandaleux, mais vous savez, on ne  peut faire la morale aux Chinois là-dessus, nous sommes au cœur de tout ça et eux, ils ont été privés de tout tellement longtemps. Pour eux, c’est comme profiter d’une certaine forme de liberté qui leur était jusqu’à tout récemment inaccessible ».

L’entrevue avec Philippe Muyl a été rendue possible grâce à UniFrance.

Voilà, la 17e Soirée des Jutra est déjà chose du passé. Mommy, tel qu’attendu, a presque tout raflé. Un balayage mérité mais qui, de par sa domination outrancière, donnait aussi envie de surligner le nombre de fictions de grande qualité lancées ici en 2014. Des films comme La Petite Reine, 1987, Tu dors Nicole et Enemy auraient dû être davantage récompensés. Mais ça fait partie du jeu. D’autre part, il était plutôt désolant et même plutôt étrange de constater dimanche soir l’absence au gala des Stéphane Lafleur, Denis Villeneuve et Robert Morin, tous nommés dans la catégorie « meilleur réalisateur ». Comme si la victoire annoncée de Dolan les avait tenus à l’écart d’un événement créé pour souligner la diversité de votre industrie. M’enfin! Heureusement, l’hommage à André Melançon fut émouvant et nous a rappelé que ce genre de cinéaste, aussi rassembleur que talentueux, mériterait assurément d’être cloné. On en veut des dizaines comme lui.

Crédit : Helgi Piccinin, réalisateur

Toujours lié au cinéma québécois, mais cette fois-ci documentaire, c’est le moyen métrage Coureurs des toits qui ouvrira la nouvelle édition du Kinomada, présenté du 18 au 27 mars au Cabaret du Capitole. Le film, réalisé par Helgi Piccinin, s’intéresse à ceux qui exercent le métier de déneigeurs de toits à Québec. Dans leurs fonctions quotidiennes, ces travailleurs téméraires se retrouvent juchés sur les toits des églises de la capitale ou du Château Frontenac. La présentation aura lieu vendredi prochain, à 19 h.

Michel Hazanavicius et Bérénice Bejo sur le tournage de The Search

Dans un autre ordre d’idées, The Search, la plus récente réalisation de Michel Hazanavicius vient de finalement prendre l’affiche dans une seule petite salle montréalaise. Est-ce surprenant que devant l’accueil glacial vécu à Cannes, Hazanavicius, l’homme derrière le succès mondial du film The Artist, ait remonté son œuvre dans l’espoir de sauver le navire? Un navire qui finalement coula massivement, affaibli par des résultats en salle désastreux (80 000 entrées seulement). Le distributeur québécois, lui, n’avait même pas voulu montrer la nouvelle version aux journalistes avant l’entrevue parisienne organisée pour souligner la sortie du film au Québec. Lors de cette rencontre survenue en janvier dernier, Hazanavicius ne semblait toujours pas remis de cet échec. Il blâmait les critiques qui, selon lui, ne connaissaient rien à la situation tchétchène, dramatique conflit politique et militaire au cœur du récit de The Search. Quand on lui avait fait remarquer que les longs métrages de guerre en France sont chose rare, il avait rétorqué laconiquement qu’après l’échec de son film, il y en aurait encore moins. Il ajouta en conclusion que de son côté il retournait vers la comédie, américaine cette fois-ci, parce que ça lui permettrait d’oublier une année où il s’est senti comme un escargot sur lequel on frappe et qui n’a qu’une envie, rentrer dans sa coquille. Un métier parfois difficile que celui de cinéaste…

En terminant, on a vu débarquer en salle vendredi dernier un grand  nombre de films hautement intéressants, voire engagés. Tout d’abord Les Nouveaux sauvages, une comédie argentine folle produite par Pedro Almodóvar, à l’humour acidulé et présentant des sketches sur le côté sombre de la nature humaine, mais avec juste assez de lumière pour s’avérer franchement tonifiante. Il faut aussi souligner le propos éclairant émanant du documentaire L’Empreinte qui fait le point sur le legs des valeurs autochtones dans la culture canadienne-française. Des valeurs portées davantage vers la social-démocratie que la tradition anglo-saxonne. Enfin, un second documentaire remarquable a aussi pris l’affiche vendredi passé, soit Le Prix à payer. Ce film fort éclairant dévoile les dessous de la mise en place des paradis fiscaux. Le Prix à payer devrait être vu par tous, mais obligatoirement par tous les étudiants en économie de la province. On se laisse sur la bande-annonce des Nouveaux Sauvages, film qui termina  numéro un au box-office pour l’année 2014, dans son pays d’origine, l’Argentine, et ce, devant toutes les productions hollywoodiennes. Chapeau! À quand un tel exploit dans nos terres?